Janis Joplin had een krachtige en indrukwekkende stem. AP Photo
Janis Joplin stierf 50 jaar geleden op 4 oktober 1970, slechts 27 jaar oud, maar haar liedjes reiken verder dan de tijd. Haar blijvende invloed en populariteit kan worden toegeschreven aan haar rauwe, onvervalste, onverschrokken uitvoeringen.
We reageren op vocalisten die emoties zoals pijn, angst en bevrijding kunnen uiten. Joplin gaf ons die allemaal in schoppen, geleverd met een krachtige, ongeremde raspende stem.
Beïnvloed door artiesten als Bessie Smith, Otis Redding, Billie Holiday, Ray Charles, Tina Turner en Aretha Franklin, bezat ze een beheersing van de bluesstyling, fraseologie en melodie. Ze werd opgenomen in de Rock and Roll Hall of Fame in 1995 en stemde op nummer 28 in Rolling Stone's beste zangers aller tijden in 2008.
Maar als we een vocalist als Joplin horen, die iets diep in ons roert, wat gebeurt er dan eigenlijk?
In beheersing van haar stem
Het oorsprong van muziek zijn geworteld in de emotionele expressie van de menselijke stem. Expressieve muzikale uitvoeringen zijn getoond activeren de emotionele centra van onze hersenen.
Joplin had een krachtige en indrukwekkende stem. In haar liveoptredens was ze gefocust en ongeremd, met een breed palet van kenmerkende vocale klankkleuren in combinatie met een snel vibrato. Met haar bereik van drie octaven gebruikte ze raspend gegrom, gejammer en geschreeuw om rauwe emoties uit te drukken.
Rockzang maakt vaak gebruik van een rijke stem op de borst, wat veel lichamelijkheid en energie vereist. Blues- en rockzangers kunnen ook een beperkte kwaliteit in hun stemmen opnemen: het strottenhoofd strakker maken en de luchtdruk waarmee ze zingen manipuleren.
Joplin's stem is geweest beschreven zoals het gebruik van een vervorming en rand, een mix van ruis en toon.
Dit wordt misschien het best gedemonstreerd in haar lied uit 1968 Deel van mijn hart. Dit ingesnoerde geluid geeft direct de intensiteit weer - het is erg spannend maar zorgt ook voor spanning. Deze vernauwing komt tot een climax op de regel “je weet dat je het hebt”: ze improviseert op de melodie, verandert de frasering met blueslicks en schreeuwt dan voor het laatste refrein.
Dit gebruik van vernauwing bij het zingen brengt een verscheidenheid aan uitdagingen en aanzienlijke risico's met zich mee, die invloed hebben op de controle van de zangers. Maar het publiek is enthousiast over het nemen van risico's van high-wire artiesten. Hier staat de techniek van Joplin in dienst van de communicatie van emotie, die tegelijkertijd opwindend en verwoestend is.
Ontvang de nieuwste via e-mail
De diepste emoties
In de uitvoering was Joplin zowel kwetsbaar als onverschrokken, verlangend om los te breken, grenzen te verleggen en bereid om haar authentieke zelf te onthullen. Ze was niet verontschuldigend.
Terwijl Joplin de protestliederen van haar tijdgenoten niet zong Bob Dylan en Phil Ochs, komt er een gevoel van protest door in haar uitdrukking, haar repertoirekeuze en de manier waarop ze weigerde te zingen met een “mooie” stem die destijds door vrouwen werd geaccepteerd.
Zoals haar biograaf Alice Echols zei:
Janis was in zekere zin de grote niet-erkende protestzanger van de jaren zestig. Nee, Janis zong geen expliciete protestliederen. Maar in haar stem hoorden mensen dat iemand de status quo weigerde.
Joplin's laatst opgenomen werk, postuum uitgebracht als Pearl, toont de voortdurende evolutie in haar vocaal gebruik aan. Haar stem heeft een verfijning ondergaan, nog steeds met moedige en rauwe momenten, hier is ze meer gecontroleerd, zonder enig verlies van expressie.
De opening van Huil schat laat zien dat Joplin twee noten tegelijk zingt op een ingesnoerde toon, en dan luid het refrein uitdraagt. Vervolgens verlaagt ze het volume en legt ze zachtjes haar verraad uit in de verzen.
Er zijn duidelijke invloeden in haar gebruik van oproep en reactie van gospelmuziek, en met name de originele opname- en vocale stijlen van Granaat Mimms.
Deze verfijning is ook zichtbaar in een van haar laatste gefilmde uitvoeringen. Aan Dit is Tom Jones in 1969 transformeerde ze de ontroerende jazzstandaard Little Girl Blue in een ritme- en blues-epos.
Het is opbouwend om haar uitvoering te vergelijken met uitvoeringen van hetzelfde nummer door enkele van haar invloeden, Nina Simone en Nancy Wilson. Simone's bezorging op piano en zang zijn expressief delicaat en benadrukken een verfijnd muzikaal vakmanschap met subtiele verfraaiingen van de melodie. Wilson's versie biedt ritmische precisie in combinatie met weelderige orkestratie.
In tegenstelling, Joplin's benadering kenmerkt een verandering van ritme en tempo door het hele nummer, waarbij regelmatig frasen worden uitgebreid en lang vastgehouden noten worden gezongen die sterk zijn versierd met griezelig hunkerende oproepen en vocale wendingen, bochten en toonkleuren.
Joplin onderscheidt zich als een zanger met grote invloed. Ze was bereid om de diepste menselijke emoties te uiten - emoties die niet gemakkelijk werden toegestaan of uitgedrukt in de westerse samenleving. Ze gaf haar toehoorders een plaatsvervangend begrip van haar emoties, een begrip dat tot op de dag van vandaag weerklinkt.
Over de auteur
Leigh Carriage, hoofddocent muziek, Southern Cross University
Dit artikel is opnieuw gepubliceerd vanaf The Conversation onder een Creative Commons-licentie. Lees de originele artikel.
